La última entrega de The Chemical Brothers fue en el 2012 con Don’t Think, una película del concierto inusual collaged juntos desde las perspectivas de varios miembros, una audiencia atónita, la corte sacudida estroboscópicamente iluminada que puso a un punto en éxtasis dos décadas de carrera del dúo. “Se sentía como la culminación de un montón de años de trabajo”, dice Tom Rowlands. “Supongo que, después de hacer la película, que podría haber dicho:” Eso es todo, ellos ya hicieron lo suyo.”
Pero poner punto final no estaba en las cartas, a pesar de que su compañero hermano Ed Simons está ahora ocupado cada vez más con su carrera académica, los detalles prefiere no divulgar. (“‘Trabajo académico no específicado” es la frase que está muy interesado en “, dice Rowlands). De hecho, Simons se perderá los próximos shows en vivo del grupo, en el que Rowlands será acompañada por Adam Smith, su socio de visuales ya tiempo atrás. Pero la pareja todavía DJ juntos sobre una base bastante regular, y Rowlands se puede encontrar en su estudio de Londres casi todos los días. Ahí es donde él y Simons pasó la mayor parte de los últimos tres años trabajando en su octavo álbum, Born in the Echoes, no sólo woodshopping su sonido, pero repensar el propósito de todo el proyecto.
“Cuando empiezas por primera vez, se hace un registro y se va de gira, y no eres más que en ese ciclo”, dice Rowlands. “Pero en este momento, tenemos que hacer algo que se siente importante, algo que no no podríamos hacer. Una gran cantidad de tiempo se dedicó a la experimentación y la búsqueda de un ambiente.”
Ellos consiguieron sus primeras insinuaciones de ese ambiente, ya que comenzó el perfeccionamiento “A veces me siento tan abandonada”, un himno de los nudillos blancos, tiempo máximo que hace prácticamente ninguna de las cosas que los himnos en tiempo de pico se supone que deben hacer: No hay casi ninguna bombo, no hay línea de bajo real, y las gotas son realmente decepcionante, la construcción de un frenesí y luego tirar de la alfombra, dejando al oyente colgando en el aire. Sin embargo, la pista exhilaratingly incómodo convirtió en un elemento básico de sus sesiones de DJ, en parte porque sonaba tan diferente .
“Fue una decisión consciente de no hacer esa pista así, se sentía más como una banda como la reproducción de música techno, pero con sus instrumentos no muy enchufados”, dice Rowlands. “Es emocionante para nosotros cuando podemos hacer un disco que no suena como otro récord del club , pero todavía le da esa respuesta cuando jugamos en el club.”
Oportunamente, Born in the Echoes contiene algunos de los recortes del club más eficaces del dúo en años: “Just Bang“, un matón casa retorcido que suena como el hijo bastardo de Ron Hardy y el Escuadrón de la muerte; ” EML Ritual”, un quemador de acid-house mareado con el cantante melódico de alta encadenan Ali Love y una batería de correr 909 trampas ; y “Reflexion” , un instrumento de tono de flexión que gime como un incendio de cinco alarmas en una fábrica de sintetizador. Rowlands llama recortes más duros del álbum “instinto registros -son no tratando de ser todo para todos.”
En otros lugares, St. Vincent interpreta a una princesa de hielo en el estremecedor “Under Neon Lights” , y Beck baja la guardia en la melancolía “Wide Open“. Hay ‘inspiraciones de los 60 psicodélicos favorables -ups y , bocetos radiofónicas impares ; en mi opinión, la canción que da título tenebroso y resbaladizo, con Cate Le Bon, es una de las mejores cosas que he escrito.
Y luego está “Go“, el primer gran single, completa con un peculiar vídeo de Michel Gondry. La canción es una articulación de cadera de casa dando un paso rápido que encuentra Q-Tip montando un bullicioso, Technicolor-soul coro. No es mi canción favorita del álbum, pero me imagino escucharlo en un estéreo de automóvil de 10 años y siendo alimentado supremamente. Rowlands se ríe cuando le digo esto.
“Es una de esas cosas que algunas personas aman, y otras personas simplemente ir, ‘¡Uf, eso no suena como los Chemical Brothers,’”, dice. “Pero para mí lo que realmente suena como punto de partida, la mezcla de hip-hop y sintetizadores juntos. Si yo fuera a la casa de un amigo y no iba a estar bailando y divertido, que me gustaría que el registro en mi bolsa.”
Imita el ritmo, cantando el gancho a través del teléfono. “Algunas personas no quieren ir por ese terreno Whoa-oh, ba da da da da da da da, pero eso es la parte que siempre cantar. Este disco es acerca de confiar en lo que sientes, va con lo que te hace sentir bien y no preocuparse de lo que la gente va a hacer de ella”.
Pitchfork: ¿Cómo es hacer música diferente para ustedes ahora en comparación a cuando estabas empezando hace 20 años?
Tom Rowlands: Cuando empezamos a hacer música, es casi como que no tenía opción sobre lo que hemos hecho. Sólo había una cosa que salió de mí; Yo estaba tratando de copiar un registro Public Enemy, pero no estaba a la altura, por lo que salió como lo hizo. Pero el más hábil te vuelves, más opciones que tiene, como, “Oh, yo podría hacerlo así, y que podía hacerlo de esa manera …” Es una maldición, la verdad.
Para este disco, es casi como que estábamos tratando de olvidar nuestras habilidades y hacer todo en un nivel más instintivo. Hace un par de años, estábamos escuchando un montón de estas viejas ediciones Ron Hardy, y todo fue tan extraño y primitivo y el mal y crudo-exactamente lo que me entusiasma de la música de baile. Mucha, música electrónica maximalized grande ahora es una especie de fácil de hacer, y estábamos tratando de encontrar un sonido diferente.
Pitchfork: ¿Cómo fue esa decisión jugar tan lejos como la instrumentación y las decisiones sobre cómo el álbum sería en realidad el sonido?
TR: Se utilizó una gran cantidad de las cosas que utilizamos en nuestro primer par de registros: secuenciadores, samplers Akai, PSM, viejas máquinas de tambor E-Mu. Y hay una gran cantidad de muestras de nosotros mismos que tocan la guitarra o el bajo; muestreo creativa todavía realmente me emociona. Me encanta la idea de, como, un hi-hat de un viejo disco de jazz junto a alguna muestra de que usted ha hecho de dejar caer un pedazo de concreto en agua junto con el sonido de la reproducción de un platillo con un arqueamiento, todas estas cosas raras juntos . Estamos realmente en hacer sonidos divertidos y ponerlas en algún tipo de orden que tiene sentido.
Hay un montón de extraños sintetizadores viejos medio rotas, todo el disco, también. “Nacido en los Echoes” fue hecha con tecnología anticuada, y esa es otra canción que se siente simple y claro, y cuando un sonido interesante viene en, es sólo el sonido adecuado. Se siente como uno de esos discos extraños que se escuchan, y usted es como, “¿Qué es eso? ¿Dónde está eso?”
Pitchfork: Otra pista sintetizador que se destaca es “Taste of Honey”, que suena casi como ’60s pioneros electrónicos Perrey y Kingsley con sus abejas zumbantes, y luego de que solo de guitarra al final.
TR: Que salió mal.
Pitchfork: ¿O salió bien?
TR: Nos recordó a las cosas que ponemos en algunos de nuestros primeros discos que no estaban completamente formados, ideas que se tomaron en los viajes de extraños a algún otro lugar, me encanta cuando esa abeja llega a través de mi cerebro. Obviamente hay algo de humor en ella. No todas las canciones tiene que ser el sentido de la vida.
Pitchfork: ¿Cómo se decidió sobre los vocalistas destacados para el álbum?
TR: Cuando colaboramos con la gente, siempre desde una perspectiva de nosotros ser un fan de lo que hacen, y los que tienen algún tipo de voz única o acercamiento a la creación de música, además de ser abierto a experimentar. Me encanta el proceso de colaboración, en el que tienen una idea y otra persona tiene una idea que nunca habrías imaginado, y la música se mueva de ese.
Estar en el estudio con St. Vincent, es sentirte como si estuvieras en la presencia de alguien que es un artista, que sólo puede evocar las cosas. Ella es alucinante. Y en cuanto a la pista que hicimos con Beck, que habíamos estado trabajando en la música por un tiempo, y siempre nos sentimos como si necesitábamos algo que realmente conecta emocionalmente, así que fue una alegría para él para llevar eso a la grabación.
Pitchfork: Usted fueron pioneros de la música electrónica en vivo. En los días previos a Ableton ¿era difícil tomar lo que hiciste en el estudio y traducirlo al escenario?
TR: En 1993, nos DJing partes pequeñas en Londres, pero cuando la gente nos pide que pinchar en los grandes eventos, que sería como, “Oh, no, no somos DJs adecuadas Vamos a venir a jugar en vivo.” Nos gustaría establecer en el club con un MPC y algunos sintetizadores analógicos y todo lo conseguiríamos muy sudoroso y romper. Ahora, la idea me aterra, pero fue un momento diferente, de verdad.
Uno de los primeros lugares que tocamos en vivo para un montón de gente estaba en Orlando, en 1994. Estábamos asombrados de que alguien sabía quiénes éramos y se puso en contacto y pagó un boleto de avión a Estados Unidos para jugar. Y luego nos dirigimos hacia arriba, y es un gran delirio, lleno-en. Tuvimos esta pista, “Beats Química”, y nos gustaría aparecemos con un MPC y Juno-106 y algunos pedales de distorsión y justo lo componen.
Pitchfork: ¿Hubo una sensación de choque cultural en esos primeros viajes a América, antes de tener la menor idea de lo que estaba ocurriendo en los Estados Unidos?
TR: Sí. Nadie nos estaba pidiendo que venir a jugar ese tipo de cosas en Inglaterra entonces. Nos convertimos en los Estados y jugar discos como “Song to the Siren” y la gente sabríamos ellos. Fue alucinante, de verdad. Habíamos hecho este disco en nuestro dormitorio, y de repente estábamos en América, que para nosotros era un lugar exótico para ir-a pesar de que, debo admitir, Orlando no es tal vez el lugar más exótico en el mundo. Pero para nosotros, en ese momento, no podíamos creer! Y entonces nos gustaría ir fuera a San Francisco y Nueva York.
Alguien al otro día estaba diciendo que estaban sorprendidos por la masiva EDM-ficación de la música americana, pero solía ir allí en 1994 y jugar estos grandes raves que fueron todas separadas por escenas y millas. Y ahora están todos los que se unieron.
Pitchfork: A pesar de que Ed no está de gira con ustedes ahora, son todavía Dj juntos, ¿no?
TR: Sí, siempre DJ juntos, y que sin duda alimenta en nuestra música y nos impide desconectar. Te hace emocionado por hacer música, que creo que es algo que mucha gente en las bandas más tradicionales tipo de perder que a medida que juegan en vivo menos. Pero en general nos gusta jugar pequeños eventos de DJ.
Pitchfork: Se inició en el mundo de los clubes íntimos, sin embargo, la música que haces se siente mejor se adapte a festivales. Es casi como el formato de festival de corriente creció alrededor de artistas electrónicos como usted, cuya música es demasiado grande para ser contenido por un club de baile.
TR: Bueno, yo no lo sé. Desde nuestra experiencia inicial de la música de baile, era esta doble cosa de estar en pequeños clubes nocturnos locales y luego ir a raves masivas, en las que tendrías 20.000 personas bailando a un récord de Renegade Soundwave. Siempre parecía que nos gusta la música de baile funciona en esa escala. Las personas se sorprendieron de que Orbital podría desempeñar un gran escenario en Glastonbury en 1994, y yo estaba como, “por supuesto!” porque habíamos visto jugar Orbital en un campo masivo fuera de Londres a la misma cantidad de personas. Siempre sentía como se hizo esta música para ser compartido. Recuerdo jugar “Leave Home” en el sótano de un bar en 1994, y se puede jugar esa misma pieza musical en un escenario en Woodstock. Eso es lo que me gusta de la música. Lo haces, y sale y se convierte en otra cosa, o no lo hace. Tu no controlas lo que significa.